CRÍTICAS

DIARIO VASCO. MARÍA JOSÉ CANO. 27.08.2024
EGIA ALA geRuza
La Quincena regaló ayer una extraordinaria velada con el estreno de la ópera infantil "Egia ala geRuza”. La reunión de talento, trabajo e imaginación dio como resultado una producción magnífica con una reunión de aciertos en todos los elementos que intervienen en una representación escénica musical. (…) Resultó atractiva y muy divertida para mayores. (…) Guillermo Amaya realizó, además un gran trabajo de escena (…) que sacó chispas a 10 telas blancas que el coro fue moviendo y una cuidada iluminación (…)

LUDWIGSBURGER KREISZEITNG. Dietholf Zerweck. 12.06.2024
COSI FAN TUTTE
Lebendige Liebeskomödie
Ein Sofa in Orange, ein grüner Stuhl, ein roter Sessel, ein blauer Hocker da sind die Utensilien in Guillermo Amayas Inszenierung von Mozarts letzter Oper „Cosi fan tutte oder die Schule der Liebenden“ im Wilhelma Theater. Sie werden unzählige Male hin und her geschoben und immer wieder neu arrangiert, sie sind Versuchsanordnungen wie die Beziehungen die zwei Paare, die vom Zeremonienmeister Don Alfonso und seiner Strippenzieherin Despina in Szene gesetzt werden. Amaya hat dazu eine Menge Einfälle, die Figuren bewegen sich lebendig und komödiantisch, immer mit einem Gespür für den Takt und die Emotionen der Genialen Musik und des witzigen Librettos von Lorenzo da Ponte.
Schon bei ihrem ersten Auftritt sind die beiden Verlobten Ferrando und Guglielmo als Militärs definiert, sie tragen ordennehänge blaue Mäntel über ihren schwarzen Springerstiefeln und Überfallhosen. Wenn sie dann nach der Wette mit Alfonso, ob ihre Bräute ihnen auch die Treue halten, im bunten Freizeitlook zurückkehren, könnten sie auch einem Film von Pedro Almodóvar entsprungen sein. Dass Dorabella und Fiordiligie sie in dieser Verkleidung nicht wiedererkennen würden, ist natürlich unrealistisch, aber seit jeher Voraussetzung der grausam lustigen Komödie, die im zweiten Akt zunehmend an psychologischem Tiefgang gewinnt. Der komponiert Mozart in seinen atemberaubenden Arien und Ensembles besonders in den beiden Monologszenen der mit ihren Gefühlen in Zwietracht kämpfenden Fiordiligi. Wie die georgische Sopranistin Tamuna Melanashvili die Felsenarie „Come scoglio“. und später in ihrem großen Rezitativ und Rondo „Per pietà, ben mio“ diese Zerrisenheit zwischen Liebe und Treue gestaltet, gehört zu den Höhepunkten der unterhaltsamen Aufführung.

Comedia romántica animada
Un sofá naranja, una silla verde, un sillón rojo, un taburete azul son los utensilios de la producción de Guillermo Amaya de la última ópera de Mozart "Cosi fan tutte o la escuela de los amantes" en el Teatro Wilhelma. Son desplazados hacia adelante y hacia atrás innumerables veces y reordenados una y otra vez; son arreglos experimentales como las relaciones de las dos parejas que escenifican el maestro de ceremonias Don Alfonso y su titiritera Despina. Amaya tiene muchas ideas para esto, los personajes se mueven de manera vivaz y cómica, siempre con sentido del ritmo y las emociones de la brillante música y el ingenioso libreto de Lorenzo da Ponte.
Ya en su primera aparición, los dos novios Ferrando y Guglielmo se definen como militares; visten abrigos azules con medallas sobre sus botas de combate negras y pantalones de raid. Cuando regresan con coloridos looks informales tras la apuesta con Alfonso sobre si sus novias también les serán leales, podrían haber salido de una película de Pedro Almodóvar. Por supuesto, no es realista que Dorabella y Fiordiligie no la reconocieran con este disfraz, pero siempre ha sido un requisito previo para esta comedia cruelmente divertida, que gana cada vez más profundidad psicológica en el segundo acto. Mozart compone sus impresionantes arias y conjuntos, especialmente en las dos escenas de monólogo de Fiordiligi, que luchan con sus sentimientos. La forma en que la soprano georgiana Tamuna Melanashvili crea la división entre el amor y la lealtad en el aria de rock “Come scoglio” y más tarde en su gran recitativo y rondó “Per pietà, ben mio” es uno de los aspectos más destacados de la entretenida actuación.

REUTLINGER GENERAL ANZEIGER. Armin knauer. 16.06.2024
COSI FAN TUTTE
Regisseur Guillermo Amaya verlegt das Geschehen ins Spanien der 80er-Jahre. Die Franco-Diktatur ist vorbei, neue Freiheiten sind da - doch wie soll man nutzen? Das fragten sich auch Mozart und sein Texter Lorenzo da Ponte am Vorabend der Französischen Revolution: Der Adel hatte abgewirtschaftet - was würde kommen? So ist das scheinbar so klare 80er-Ambiente in Wahrheit nebulös. Die »Wände« sind Schnurvorhänge, nach hinten fällt der Blick in ungreifbare Ferne, und ständig werden auf der von Jörg Zysik gestalteten Bühne unterm Licht von Ingo Jooß Möbel herumgetragen, wird das Heim der Zukunft gestaltet, von dem keiner weiß, wie es aussehen soll.
Wette mit Folgen
Dazu wirbelt Mozarts Musik schlank und quirlig mit den Tönen des Stuttgarter Kammerorchesters. Nichts ist mehr fest, nicht mal die Gefühle, die anfangs so klar scheinen. Don Alfonso, Kleriker mit skeptischem Menschenbild, behauptet, Treue gebe es nicht. Es gibt Widerspruch, man wettet, die bekannte Treueprobe in Form eines maskierten Partnertauschs nimmt Fahrt auf.
Wie die jungen Darsteller das zelebrieren, ist ein Fest. Aus Schabernack wird Ernst, im bonbonbunten Klamauk tut sich das Menschliche auf. Die Damen sträuben sich, doch der Charme der angeblichen Albaner samt haarsträubender Finten der trickreichen Haushälterin Despina tun ihre Wirkung. Den Rest erledigen die Hormone.
Dramatik kippt in Komik
Sie machen das herrlich, die angehenden Opernprofis, diesen Balanceakt zwischen Klamauk und Ernst, Tragik und Komik. (...)
(...)
Anatomiekunde mit Banane
Regisseur Amaya betont das Sexuelle in diesem Spiel. Da wird die Banane zum Demonstrationsobjekt männlicher Anatomie, es werden Beine gespreizt und Gliedmaßen befummelt. Auch das bringen die Darsteller völlig selbstverständlich in diesem Setting unter, in dem am Ende alles gehörig durchgeschüttelt ist.

El director Guillermo Amaya traslada la acción a la España de los años 80. La dictadura de Franco ha terminado, han llegado nuevas libertades, pero ¿cómo debemos utilizarlas? Mozart y su letrista Lorenzo da Ponte también se preguntaron esto en vísperas de la Revolución Francesa: La nobleza estaba en ruinas, ¿qué vendría después? La atmósfera aparentemente clara de los 80 es en realidad nebulosa. Las "paredes" son cortinas de hilo, la vista detrás de uno cae en una distancia intangible y los muebles se mueven constantemente en el escenario diseñado por Jörg Zysik bajo las luces de Ingo Jooß, se está diseñando la casa del futuro, que ya no uno sabe cómo debería ser.
Apuesta con consecuencias
Además, la música de Mozart vibra ágil y vivaz con los tonos de la Orquesta de Cámara de Stuttgart. Ya nada es sólido, ni siquiera los sentimientos que al principio parecían tan claros. Don Alfonso, un clérigo con una visión escéptica de la humanidad, afirma que la lealtad no existe. Hay una contradicción: se puede apostar a que la conocida prueba de lealtad en forma de intercambio de pareja enmascarado está ganando impulso.
La forma en que los jóvenes actores celebran esto es una celebración. Las bromas pesadas se vuelven serias, el elemento humano emerge en las payasadas de color caramelo. Las damas se resisten, pero el encanto de los supuestos albaneses y los trucos espeluznantes de la astuta ama de llaves Despina surten su efecto. Las hormonas hacen el resto.
El drama se convierte en comedia
Los aspirantes a profesionales de la ópera lo hacen de maravilla, este acto de equilibrio entre payasadas y seriedad, tragedia y comedia. (...)
(...)
Estudio de anatomía con plátano.
El director Amaya enfatiza la sexualidad en este juego. El plátano se convierte en un objeto de demostración de la anatomía masculina, se abren las piernas y se tocan las extremidades. Los actores también se adaptan a esto con total naturalidad en este entorno en el que al final todo cambia. (…)

ONLINE MERKER. Alexander Walther. 9.06.2024
COSI FAN TUTTE
(…) Für den Regisseur Guillermo Amaya ist „Cosi fan tutte“ Mozarts größter Geniestreich. Seine Inszenierung ist inspiriert von der Bilderwelt von Pedro Almodovar. Dessen Filme waren das Kraftzentrum der kulturellen Befreiungsbewegung „movida madrilena“ im Spanien der frühen 1980er Jahre. Im Übergang zur Demokratie gab es nach der Franco-Diktatur viel aufzuholen. Almodovars Filme leben von der Sprengkraft unerwarteter Begegnungen zwischen Menschen aus unterschiedlichen Milieus.. Dafür ist die Personenführung sehr gut gelungen, sie besitzt geradezu melodramatische Triebkraft. Die offene Konfrontation mit dem herrschenden Adel lässt hier nicht lange auf sich warten. Die Frauen sind in dieser Inszenierung eindeutig stärker als die Männer, die um den Finger gewickelt werden. „Die Schule der Liebenden“ zeigt bei Almodovar pädagogische Qualität, er zeigt Menschen in ihrer extremen Vielfalt. Menschen, die unter Franco Macht hatten, waren konservative Polizisten, Priester, Beamte und Politiker, die ihre Rechte nicht aufgeben wollten. Davon erzählt auch diese Regie-Arbeit in fast satirischer Weise im Kleid des Pop. Don Alfonsos Motive sind hier nicht rein aufklärerisch. Sein Handeln ist getrieben von tiefen persönlichen Verletzungen. Ob er sein Trauma überwindet, bleibt am Schluss der Inszenierung offen. Trotz des C-Dur-Schlusses und der Versöhnung zwischen den Paaren Fiordiligi, Dorabella, Ferrando und Guglielmo schwebt zuletzt eine gewisse Melancholie über der Szene, zumal die schlagfertige Despina erklärt, man dürfe Liebe und Treue nicht so wichtig nehmen. Don Alfonso zeigt sich auch als Priester als Verführer. Auf der Bühne herrscht heilloses Durcheinander. (…)

(…) Para el director Guillermo Amaya, “Cosi fan tutte” es la mayor genialidad de Mozart. Su producción está inspirada en el imaginario de Pedro Almodóvar. Sus películas fueron el motor del movimiento de liberación cultural “movida madrileña” en España a principios de los años 1980. Había mucho por hacer en la transición a la democracia después de la dictadura de Franco. Las películas de Almodóvar prosperan gracias al poder explosivo de los encuentros inesperados entre personas de diferentes orígenes. La dirección actoral está muy bien lograda, tiene un hilo conductor casi melodramático. El enfrentamiento abierto con la nobleza gobernante no se hace esperar. Las mujeres en esta producción son claramente más fuertes que los hombres que están entre sus dedos. “La Escuela de los Amantes” muestra la calidad pedagógica de Almodóvar; muestra a las personas en su extrema diversidad. Las personas que tenían el poder bajo Franco eran policías, sacerdotes, funcionarios y políticos conservadores que no querían renunciar a sus derechos. Esta obra de dirección también habla de esto de forma casi satírica vestida de pop. Los motivos de don Alfonso aquí no son puramente educativos. Sus acciones están impulsadas por profundas lesiones personales. Al final de la producción no queda claro si supera su trauma. A pesar del final en do mayor y de la reconciliación entre las parejas Fiordiligi, Dorabella, Ferrando y Guglielmo, una cierta melancolía se cierne sobre la escena final, sobre todo porque la ingeniosa Despina explica que no hay que tomarse tan en serio el amor y la lealtad. Don Alfonso también se muestra como un cura como un seductor. Hay un caos total en el escenario. (…)

STUTTGARTER ZEITUNG. SUSANNE BENDA. 11.06.2024
COSI FAN TUTTE
(…) Der Regisseur Guillermo Amaya versetzt gemeinsam mit Jörg Zysik (Bühne und Kostüme) „Così fan tutte“ in die frühen 80er Jahre, genauer: in die Bilder- und Gedankenwelt der damaligen Filme von Pedro Almodóvar. Das karge Mobiliar – gelbes Sofa, roter Sessel, grüner Stuhl, blauer Beistelltisch – wird von den Spielenden ständig umgeräumt. Dabei geht es um Status, aber auch um die Frage, wie man sich einrichten will im Leben. Und das Verwirrspiel um die wechselnde Zuordnung der Paare, das Amaya im ersten Akt begann, endet nicht mal mit dem Fallen des Vorhangs. Das amüsiert, und es tut weh. Toller Abend! (…)
(…) El director de escena Guillermo Amaya, junto con Jörg Zysik (escenografía y vestuario), sitúan “Così fan tutte” a principios de los años 80, o más precisamente: en el mundo de las imágenes e ideas de las películas de Pedro Almodóvar de la época. Los jugadores reorganizan constantemente los escasos muebles (sofá amarillo, sillón rojo, silla verde, mesa auxiliar azul). Se trata de estatus, pero también de cómo quieres sentarte en la vida. Y la confusión en torno al cambio de asignación de parejas, que Amaya inició en el primer acto, no termina ni siquiera cuando cae el telón. Es divertido y duele. ¡Gran tarde! (…)

ÓPERA WORLD. PABLO ÁLVAREZ SIANA. 26.01.2024
LOHENGRIN
(...) En un anfiteatro griego atemporal y abstracto se desarrolla esta historia del caballero del Santo Grial con la dirección escénica de Guillermo Amaya y la escenografía de Pablo Menor, simple, pura y “abrumadora” para mover a 193 personas del universo de Wagner, la obra de arte total (Gesamtkunstwerk) que siempre es exigente para todos pero nunca deja indiferente, haciendo partícipe de la acción a un público no muy entusiasmado pero que premió el esfuerzo global, con un vestuario de Raquel Porter huyendo de tópicos pero sobrio dentro una gama de colorido oscuro, contrapuesto al blanco y negro de la tragedia, con clara inspiración en el ‘art nouveau’ de referencias igualmente griegas.
Mucha filosofía clásica pero también de los contemporáneos de Wagner, unido a la psicología por la que transcurren tanto los protagonistas como el coro, trágico como los griegos, testigo y cómplice, lo público (conjuntos) frente a lo privado (de los dúos) a lo largo de casi cuatro horas de acción -con dos descansos- para armar este drama que fluye como la propia narración en alemán, llena de pasiones y conflictos de lo divino a lo humano. Así sentimos a las dos parejas principales contrapuestas, que fueron creciendo a lo largo de los tres actos y seguramente continúen en las tres funciones restantes. (...)

SCHERZO. MIRIAM PERANDONES. 27.01.2024
LOHENGRIN
(...) Guillermo Amaya, gaditano que ha residido y trabajado durante 14 años en Alemania, llevó a cabo la dirección escénica. Realiza una reinterpretación simbólica de Lohengrin partiendo de la idea de un coro griego, para lo que instala un graderío en el escenario, que es la base de su propuesta y sobre la que canta el coro de 68 voces. A través del vestuario, Amaya mezcla elementos griegos y medievales en una síntesis que resulta un tanto chocante. Salvo esta cuestión, su propuesta resulta muy respetuosa con el texto de Wagner, y, con pocos elementos, configura una escena que favorece la acción dramática. Es una propuesta sencilla pero muy efectiva, que deja de lado los aspectos históricos de la ópera pero que, en contraposición, resalta los temas humanos intemporales que la atraviesan: el amor, la confianza, la duda, la traición o la ambición se amplifican en una escena casi desnuda. También existe una coherencia entre texto y acción que no es tan frecuente en la escena lírica actual, como la presentación de espadas, cuerno y anillo cuando se citan expresamente en el texto, los árboles que aparecen en la primera y última escena de la ópera y que remiten a la pradera del libreto original, o la catedral representada por una puerta gigante. (...)

PLATEA MAGAZINE. ALEJANDRO MARTÍNEZ. 21.11.2023
TROUBLE IN TAHITI
(...)
La puesta en escena de Guillermo Amaya permitió seguir el argumento con nitidez, rematado con proyecciones de aires cinematográficos, bien dispuestas y sin pretenciosidades fuera de sitio. Una propuesta sencilla pero perfectamente operativa. Amaya tuvo además el acierto de poner en valor al trio de niños que abre la obra, aquí transmutados en una suerte de simpáticos Pin, Pang y Pong, al modo de la Turandot pucciniana, solo que con melodías y coreografías realmente pegadizas. (...)

BECKMESSER. MANUEL CABRERA. 17.11.2023
TROUBLE IN TAHITI
PLENO ACIERTO
(...)
Es de agradecer la fidelidad que la producción -con licencia de la empresa londinense Boosey and Hawkes Music Publisher Ltd.- ha mantenido tanto al texto como a la partitura en la presentación de la ópera, incluidas las anotaciones indicadas por el propio Bernstein. Así el vestuario de Raquel Porter, la iluminación de Ion Aníbal y la escenografía diseñada por Guillermo Amaya quien a la vez llevó la dirección de escena (siempre efectista como concisa), permitieron recrear la existencia de una familia de la media alta burguesía de mitad de siglo pasado, en un barrio residencial limítrofe a la Gran Manzana. Ello ya de por sí merece un inequívoco sobresaliente. A esa valoración ha de ser añadido el trabajo canoro de la mezzosoprano donostiarra Carmen Artaza, impecable en facultades escénicas de expresividad dentro de su complejo personaje, recreándose en presenciar a Dinah dentro de una vocalidad siempre iluminada, como lo mostró en el virtuosismo onírico de su solo de la Escena III. El barítono barcelonés Josep-Ramón Olivé no dio el adecuado nivel en las prestaciones canoras que requiere el personaje de Sam, faltándole brillo en las escasas incursiones que Bernstein tiene para el registro agudo, presentando una correcta posición para el canto en el estilo estático del lied que no para el operístico. (...)

MUNDOCLÁSCICO.COM. PELAYO JARDÓN. 22.05.2023
LA CENICIENTA
Cosmopolítica, polifacética y mítica
(...) Su éxito obedece, por supuesto, al trabajo de los intérpretes, pero muy especialmente al talento de quienes han concebido esta Cenicienta: a Guillermo Amaya, como director escénico y traductor del texto al español y a Francisco Soriano, como director musical.La labor de Guillermo Amaya, así como la del equipo formado por Raquel Porter en el vestuario y el escenógrafo Pablo Menor ha sido imprescindible para actualizar y hacer inteligible y cercana la obra para el público infantil de la tercera década del siglo XXI. Los diálogos conservan la gracia, la delicadeza poética y la chispa humorística del texto original. Y, lo que es más importante, se adaptan de forma natural a la línea melódica y ello pese a las diferencias idiomáticas entre el francés y el español: con los frecuentes malentendidos, juegos de palabras e insinuaciones los niños se desternillaban de risa. (...)

OPERN WELT. Silvia Adler. Mayo 2023
LACHEN IST TRUMPF
DIE LIEBE ZU DEN 3 ORANGEN / EL AMOR DE LAS TRES NARANJAS
(...) "Dirigent und Regisseur kosten das theatrale Potenzial jeder Szene vollgültig aus, zelebrieren den Charakter jedes Opernzitats mit Intensität. Die grandiose Bewegungsqualität, die Guillermo Amaya mit dem Sängerensemble erarbeitet hat, lässt die Figuren blitzschnell umschalten zwischen Commedia dell'Arte und dramatischem Bühnenfuror. (...)

(...) El director musical y el director de escena saborean al máximo el potencial teatral de cada escena, celebrando con intensidad el carácter de cada cita operística. La grandiosa calidad de movimiento que Guillermo Amaya ha desarrollado con el conjunto de los cantantes permite a las figuras alternar entre la commedia dell'arte y la furia escénica dramática a la velocidad del rayo. (...)

RHEIN-NECKER-ZEITUNG. Nicke Luber. 13.03.2023
DIE LIEBE ZU DEN 3 ORANGEN / EL AMOR DE LAS TRES NARANJAS
(...) Guillermo Amaya fing in seiner kurzweiligen Inszenierung geschickt die verschiedenen Ebenen ein. Die märchenhafte Handlung spielt auf dem Rummelplatz. Dessen Besitzer, also der König, hat ein Problem mit der nächsten Generation. Die liegt in Gestalt seines Sohnes im Bett und verweigert sich komplett. Nichts, was auf dem Jahrmarkt stattfindet, interessiert oder amüsiert ihn. (...)

(...) Guillermo Amaya capturó hábilmente los diferentes niveles de lectura en su entretenida producción. La acción de cuento de hadas tiene lugar en el recinto ferial. Su dueño, es decir, el rey, tiene un problema con la próxima generación. Que se representa en su hijo acostado en la cama y que se niega por completo a reaccionar. Nada de lo que sucede en la feria le interesa o le divierte. (...)

THEATER:PUR IN NDR. Eckhard Britsch. 11.03.2023
DIE LIEBE ZU DEN 3 ORANGEN / EL AMOR DE LAS TRES NARANJAS
Erwachen aus der Melancholie
(...) Die Regie hält die schrill kostümierten Figuren in munterer Bewegung, sie alle sind eigenwillig charakterisiert, und die Bühne assoziiert Bilder von Varieté und Zirkus. Das läuft komödiantisch ab, wenn sich der Prinz im Bettchen verkriecht – Kammersänger Winfrid Mikus setzt seinen unverwechselbar timbrierten Tenor passgenau zum Spiel ein. Papa König ist auch später mal „Die Köchin“, und James Homann macht das richtig gut mit seinem sonoren Bariton. Die Beiden seien stellvertretend für die Männer-Riege genannt, wie für die Frauen Ulrike Machill als Prinzessin Ninetta und Vera Semieniuk als Prinzessin Clarisse. Prokofjew geht in dieser Oper geradezu verschwenderisch mit dem Personal um, zwischen Truffaldino und Smeraldine, Fata Morgana und Farfarello ist ziemlich alles dabei, was die Commedia dell'arte hergibt. (...)

Despertar de la melancolía
(...) El director mantiene en vivo movimiento a los personajes vistosamente ataviados, todos caracterizados a su manera, y el escenario asocia imágenes de espectáculos de variedades y circo. Es cómico cuando el príncipe se mete en la cama: Kammersänger Winfrid Mikus usa su voz de tenor inconfundiblemente timbrada precisamente para el juego. Papa Rey es también más tarde "La cocinera", y James Homann lo hace muy bien con su sonora voz de barítono. Los dos son representantes del equipo masculino, al igual que las mujeres Ulrike Machill como la princesa Ninetta y Vera Semieniuk como la princesa Clarisse. En esta ópera, Prokofiev es casi extravagante con el personal, entre Truffaldino y Smeraldine, Fata Morgana y Farfarello, se incluye prácticamente todo lo que ofrece la commedia dell'arte. (...)

ÓPERA ACTUAL. JOSÉ MIGUEL BALZOLA. 18.08.2022
LA FILLE DU RÉGIMENT
(...)Gustó el coro Easo Abesbatza, y cumplieron solventemente todos los demás personajes que además se movieron ágilmente por la escena; una actuación teatral muy bien concebida y llevada por Guillermo Amaya alrededor de unos decorados algo surrealistas pero eficaces para las necesidades de la acción, diseñados por Enrique Sancho. Aunque que el anuncio inicial habló de ópera sin representación, resultó que se hizo con la orquesta en foso, con un vestuario bien pensado para hacer más bufa la obra y cambiando los diálogos franceses por otros en español y euskera, introduciendo bromas apropiadas y morcillas a gogó, siendo la más notable la canción vasca que canta la no musical duquesa. El conjunto, salvando algunos detalles ya mencionados, dejó más que satisfecho al público. La Quincena merece también un aplauso por haberlo conseguido haciendo uso casi exclusivo de artistas locales.

OPERA WORLD. FEDERICO FIGUEROA. 18.08.2022
LA FILLE DU RÉGIMENT
«La fille du régiment» entusiasma en la Quincena Musical Donostiarra
(...)En resumen, Amaya nos ha presentado una original y divertida manera de hacer una correcta, e imagino que económica, producción de un título que se pone cuando se cuenta con unos cantantes que puedan ofrecer solvencia o maravillarnos. No olvidemos que el gran público tiene en la memoria a Kraus, Pavarotti, Flórez y en los últimos años Camarena; y a Sutherland, Devia, Dessay o Pratt, ya sea porque les escuchó en directo o por los vídeos de Youtube.

SCHERZO. ANA GARCÍA URCOLA. 14.08.2022
LA FILLE DU RÉGIMENT
UNA BOCANADA DE AIRE FRESCO(...)
Para las representaciones en la Quincena, se ha decidido adaptar los diálogos hablados simplificando un tanto la trama (no pasa nada, es completamente delirante y aunque se elimine algún parentesco no nos vamos a enterar igual) y haciendo los diálogos en euskera y castellano. Es esta una solución perfectamente apta, aplaudible, y nos atreveríamos a decir que incluso muy acorde con el espíritu del género: se dirigen a un público que entiende el contexto y hacen bromas sobre lo que ellos viven cotidianamente o conocen muy bien así que… ¿qué mejor que utilizar las lenguas vernáculas, máxime cuando son las del elenco? (...)
la propuesta resultó un acierto, como lo fue también la escenografía, muy sencilla y de carácter naíf, lo que potenció la sensación de estar viendo una especie de cuento de hadas en el que se consigue convencernos de que lo mejor que le puede haber pasado a una niña es que la abandone su madre y la adopte un regimiento entero de tiarrones. El poder del teatro, señores. Muy satisfactoria también la puesta en escena, que traslada ese marco de las guerras napoleónicas y ese espacio entre Francia y Alemania a una frontera de difícil ubicación, en torno a los Pirineos vascos pero donde encontramos apellidos de innegable sonoridad germánica. ¿Y qué más da, si en un cuento de hadas todo es posible? Hasta eso tuvo mucha gracia y potenció ese aspecto ya de por sí muy loco de la historia. Fantásticos los movimientos sobre la escena, tanto del coro, que se empleó a fondo, como de los cantantes, todos ellos fantásticos actores. Todo fluyó de una manera muy natural, sin estatismos ni tampoco excesos histriónicos.
(...)

En definitiva, fue un placer disfrutar de una velada de ópera absolutamente deliciosa en la que la evidente complicidad de todos los intérpretes sobre la escena y esa saladísima producción nos trajo una verdadera bocanada de aire fresco y de auténtica alegría que se tradujo en una interminable ovación absolutamente merecida.

RITMO.ES. JAVIER SEMBEROIZ 08.08.2022
LA ARAUCANA
(...)
El montaje escénico, obra de GuIllermo Amaya, sitúa la escena en la España de los 80, inspirado en el cine quinqui (‘El pico’, de Olea, o ‘Deprisa, deprisa’ de Saura, como ejemplos). Curiosamente, funcionó trasladar un conflicto amoroso situado en la conquista y colonización española de América, a una escena dominada por pandilleros, yonquis y maderos. Aunque no todas las decisiones escénicas encajan, este montaje permite ‘refrescar’ un libreto difícil de asumir actualmente, sin necesidad de cambiar una coma del texto escrito originalmente.
En definitivamente, una edición que supera con creces las anteriores, y que, en nuestra opinión, consolida al Festival como uno de los más interesantes del panorama veraniego.

OPERA WORLD. FEDERICO FIGUEROA 06.08.2022
LA ARAUCANA
Tonadilla de Misón y ópera de Lidón en Little Opera de Zamora
(...) La propuesta escénica firmada por Guillermo Amaya buscó y logró la unidad dramática de ambas obras, nacidas en condiciones y momentos muy diferentes, haciendo de la necesidad virtud. Con muy pocos recursos escenográficos (diseñados por Pablo Menor) consiguió narrarnos la historia de amor, trastocada por factores ajenos a su vida, de dos nativos araucanos desde una perspectiva más cercana a nuestros días: tribus urbanas en el marco temporal de la década de los 80 del siglo pasado. Así, los indios araucanos son partes de una de esas tribus, los negros mencionados en el texto pertenecen a otra y los conquistadores europeos terminan siendo agentes del orden. Y todo ello aderezado con cuestiones contemporáneas, como el trapicheo y consumo de drogas y la corrupción policial. Por ejemplo, Tegualda, hermana de Glaura, es forzada a realizar una felación al capitán español para ayudar a conseguir el perdón a Cariolano. (...)

(...) Ojalá y veamos más recuperaciones del patrimonio musical hispano a lo largo de la nueva temporada que está por empezar. Ojalá este programa doble tenga más recorrido por teatros españoles y de fuera de nuestras fronteras. En Little Opera tienen un buen ejemplo para transitar en esta senda

RITMO.ES. ALICIA POBLACIÓN. 26.11.2021
LA CENICIENTA
PARA DESPERTAR LA NIÑEZ
(...) Si a alguien le debemos el gusto de poder escuchar en el Real una ópera en español, algo tristemente poco usual en nuestro país, es a Guillermo Amaya, quien se encargó de igual manera de la dirección escénica y la iluminación de la obra.
Presentar un cuento musical, que es lo que, al fin y al cabo, son las óperas, en un lenguaje afable y conocido para los más pequeños, es un gusto para todos. Si hoy en día se echan de menos los cuenta-cuentos, también se extraña la música contada de la manera que se hizo el pasado 21 de noviembre en la sala principal del Teatro Real. Fuimos testigos durante toda la representación de esa nostalgia, encarnada en una emoción capaz de dejar en vilo la irrefrenable energía de un infante, y de llegar a despertar la niñez que todavía llevamos dentro. (...)

EN PLATEA. MOISÉS. C. ALABAU. 1.12.2021
LA CENICIENTA
El clásico se hace ópera familiar.
(...) Guillermo Amaya dirige la versión y adapta con tino el texto al castellano, el público familiar aprecia y agradece la propuesta. La escenografía recrea con solvencia la estancia del museo que se transforma en la casa de Cenicienta y el palacio donde tiene lugar el baile que ofrece el príncipe. (...)
(...)Se pasa la historia con tremenda rapidez y agrado. Fluyen las escenas y la música atrapa al espectador. Impresiona ver a tantos pequeños ni parpadear escuchando una composición de más de cien años, impresiona verles escuchar ópera. (...)
(...) Ojalá más representaciones como esta que inoculen el buen virus que es la ópera. (...)

ÓPERA ACTUAL. JOSÉ MARÍA MARCO. 23.11.2021
LA CENICIENTA
La otra 'Cenicienta' de Viardot
(...) La puesta en escena, firmada por Guillermo Amaya, responsable también de la excelente adaptación al castellano, moderniza la obra –en particular en el vestuario– sin estridencias. Resulta efectiva, práctica y divertida, logrando –lo que es todo un éxito de por sí– llenar el gigantesco escenario en el que se desarrolla. (...)

DIARIO DE SEVILLA. ANDRÉS MORENO MENGÍBAR. 13.12.2021
LA CENICIENTA
Clásicos de hoy, música de siempre
(...) El diseño teatral de Guillermo Amaya resulta muy eficaz y atractivo y está especialmente dirigido al público escolar mediante guiños y referencias fácilmente identificables. Las hermanastras son caracterizadas como dos auténticas chonis más atentas a su móvil y al lucimiento que a otras cosas, con gags que, a la vista de las carcajadas del respetable, funcionan perfectamente. La escenografía es imaginativa y polivalente y la iluminación subraya los momentos claves y los efectos ilusionistas. (...)

EL CORREO DE ANDALUCÍA. JUAN JOSÉ ROLDÁN. 12.12.2021
LA CENICIENTA
La Cenicienta de Viardot: sorprendente revitalización de un clásico.
(...) A Soriano se une en la empresa otro refulgente talento, el del director de escena Guillermo Amaya, que ha sabido como pocos adaptar este clásico a una idiosincrasia moderna y desprejuiciada, conjugando la educación en valores como la generosidad y la bondad, la falta de ambición en la riqueza y la sinceridad del amor, a la vez que da visibilidad a cuestiones como la diversidad sexual y de género a través de un impagable personaje con mucha pluma. A todo ello hay que añadir un trabajo extremadamente ingenioso para con pocos elementos de atrezzo crear toda una rica escenografía que se transforma con soluciones imaginativas y brillantes tales como la transformación de la protagonista de criada en elegante cortesana, o unas cajas de almacén con los logotipos del Real y el Maestranza que se convierten en elegante pared palaciega, sin olvidar el divertido carruaje y el dinamismo absoluto que respira la función como perfecto artefacto dramático. Ya quisieran muchos directores y directoras de escena de relumbrón alcanzar tanta creatividad y dinamismo con tan pocos recursos y ninguna pretensión. (...)

ABC. CARLOS TARÍN. 13.12.21
LA CENICIENTA
Cenicienta, un acierto por donde se mire.
(...) De todas formas y simultáneamente, el interés estuvo muy bien sostenido por la puesta en escena que, con el conocido pretexto del almacén o desván abandonado proclive a encontrar secretos fascinantes, descubren un libro. Y desde ahí todo se fue desenvolviendo bastante bien, incluso el escollo de transformar a Cenicienta en gran dama con carruaje, lacayos y cochero con caballos y todo. Sin duda el mayor el revuelo lo causó el vestido de Cenicienta, que pasó de ropa para no mancharse, a vestido de fiesta, transformación a la vista del público, aunque con la figura ensombrecida (‘¿cómo lo ha hecho?, ¿cómo lo ha hecho?’, inquirían los infantes). Precisamente el vestuario procuró casar con el cuento de hadas, aunque con actualizaciones como la de las hermanastras, vestidas ‘a la última’, con colores relinchones no sólo en la ropa, sino también en el pelo, según algunas tendencias actuales de algunos géneros musicales. (...)

(...) aunándose a la vez con la imaginativa dirección escénica de Guillermo Amaya, que por cierto es autor también de la excelente traducción de la obra. (...)

CODALARIO.COM. LA REVISTA DE MÚSICA. JOSÉ ANTONIO CANTÓN. 27.12.2021.
LA CENICIENTA
(...) El coordinado entendimiento del director de escena gaditano Guillermo Amaya, con un sencillo planteamiento y clara distinción en la integración de sus sketchs en el conjunto de la acción, orientados en gran medida al público infantil con una muy imaginativa iluminación, y el director musical, el destacado repertorista sevillano Francisco Soriano, que controlaba con la inmediatez y la capacidad de adaptación que le permitía el acompañar desde el piano, situado en un lateral del escenario, hizo que se produjera un espectáculo con un destacable equilibrio, sacando total partido a sus personajes y el mejor efecto a su dramaturgia. (...)

REVISTA DIGITAL SCHERZO. VÍCTOR SÁNCHEZ SÁNCHEZ. 21.11.2021
LA CENICIENTA
‘La Cenicienta’ de Pauline Viardot, mucho más que un espectáculo infantil
(...) Para esta puesta en escena se ha traducido la obra al castellano, no solo las partes habladas sino también las musicales, lo que resulta lógico dada su inclusión en un programa didáctico. Sorprendentemente no figura nada de esto en el programa, aunque sabemos que la ha realizado el propio Guillermo Amaya, quien cuenta con gran experiencia en Alemania como dramaturgista y adaptador. Además de laborioso, no es nada fácil encajar textos en las partes cantadas. El resultado fue bastante satisfactorio y natural, hasta el punto de que nadie se dio cuenta de lo que, por desgracia, era un acontecimiento: que hacía muchos años que no se escuchaba cantar en español en la sala del Teatro Real. El público no tuvo que despistarse desviando la mirada del escenario en busca de la pantalla del texto. Guillermo Amaya como director de escena mostró su gran oficio, movió muy bien a los cantantes, resaltando los elementos de comicidad y manteniendo la tensión de una trama excesivamente conocida por todos. La mejor muestra fueron no solo los cálidos aplausos del final sino también cómo, a pesar de la presencia de un numeroso público infantil, no se escucharon apenas voces ni ruidos durante la función. (...)

DIARIO VASCO. CARLOS RODRÍGUEZ VIDONDO. 25.06.2021
IL RE PASTORE
EL RETORNO DEL REY.
(...) Il Re pastore acababa de inaugurar un nuevo género operístico más fresco y rejuvenecido, pero sin perder el apellido de ópera "seria". Tradición y modernidad se dan la mano y ponen argumentos para acercarse al público más joven.
Se cierra el telón. EL rey pastor está en su trono, la cultura ha regresado y la ciudad lo celebra. Esto ha sido el retorno del rey. (...) La puesta en escena nos traslada a un futuro cercano. Pero aquí hay algo raro. Nada parece recordarnos al siglo XVIII de Mozart, ni a la Grecia de Alejandro Magno, aunque todo esté alí igual de presente. Sobriedad en el atrezzo, pero con un mobiliario moderno, vestimentas futuristas y peinados con arreglos cósmicos. Proyecciones visuales que con sus vivos colores e imágenes, iban jugando con nuestro estado de ánimo. (...)

REVISTA DIGITAL SCHERZO. ANDRÉS MORENO MENGÍBAR. 24.09.2021
EL VIAJE DE LUDI
MOTRIL / Divertido viaje musical con Beethoven
Motril. Auditorio Juan Carlos Garvayo. 23-IX-2021. El viaje de Ludi. Texto de Ana Alcolea. Director de escena: Guillermo Amaya. Iluminación y vestuario: Pedro Chamizo. Trío Arbós (Juan Carlos Garvayo, Ferdinando Trematore y José Miguel Gómez). Marta Infante, mezzosoprano. Manuel Gómez Ruiz, tenor. Raúl Peña, actor. Canciones de Beethoven
Günther y Gertrud son los criados que tienen que lidiar con el cascarrabias de Beethoven y que intentan embarcarlo en un viaje musical por Europa por medio de algunas de las numerosas canciones populares que Beethoven arregló. El espectáculo, dirigido al público infantil, pero no sólo a él, es vistoso, ágil, con textos chispeantes y en su justa duración para dar paso a la música. La mejor prueba de que la idea funciona son las constantes risas de los niños y de sus padres y madres. Los juegos de luces y los efectos escenográficos subrayan el ritmo teatral y llevan al final en un suspiro.
Marta Infante, con su voz de seda, profunda y evocadora, interpretó sus canciones con gran atención a la articulación y al fraseo. Igual que Manuel Gómez Ruiz, tenor lírico especializado en el mundo del lied y que recientemente ha grabado algunas de estas canciones junto al Trío Arbós. Todo un lujo, por cierto, contar con el Trío Arbós, Premio Nacional de Música, para este espectáculo. Sus versiones estuvieron caracterizadas por el ritmo y los tempi vivos. Encarnando al soñador y malhumorado Beethoven estuvo un Raúl Peña que se metió al público en el bolsillo merced a su interpretación divertida y su dominio de la escena.
En resumidas cuentas, una delicia y un ejemplo de cómo diseñar y llevar adelante un espectáculo de música clásica para un público infantil.

OPERA WORLD. 5.09.2021
EL VIAJE DE LUDI
El viaje de Ludi en el Museo Reina Sofía de Madrid(...)La imaginativa propuesta escénica firmada por Guillermo Amaya, que cristaliza en un mágico piano que lo mismo se convierte en góndola que sirve de estufa, enganchó con igual facilidad a niños y mayores.
Sin duda merece la pena embarcarse en este viaje musical en el que no faltan el humor, la diversidad cultural y el talento.

KULTURFEDER.DE. DOMINIK LAPP. 17.06.2021
TROUBLE IN TAHITI
(...) Nach nur rund einer Stunde ist das durchkomponierte Stück schon zu Ende und hinterlässt einen positiven Gesamteindruck. Guillermo Amaya hat ein rasantes Kammerspiel mit großem Unterhaltungspotenzial und bestens überzeichneten Charakteren inszeniert – das macht Spaß. (...)

(...) Después de solo una hora, la pieza compuesta ya está terminada y deja una impresión general positiva. Guillermo Amaya ha realizado una obra de cámara de ritmo rápido con un gran potencial de entretenimiento y personajes perfectamente definidos. Esto divierte." (...)

WESTFÄLISCHE NACHRICHTEN. HANNS BUTTERHOF. 23.2.2021
TROUBLE IN TAHITI
(...) Die Handlung [berührt] durch die schier trostlosen Szenen einer Mittelschicht-Ehe und fesselt durch ein breites musikalisches Spektrum von arienartigen Melodien bis hin zum Broadway-Jazz. […] Die unaufdringliche Regie Guillermo Amayas schließt mit zwei Kameraperspektiven zu den rhythmisch gegenläufigen Melodien von Dinah und Sam den Zustand ihrer Ehe von Beginn an sinnig auf. […] Eine Stunde fesselndes Musiktheater. (...)

(...) La trama [conmueve] a través de las escenas aparentemente sombrías de un matrimonio de clase media y cautiva a través de un amplio espectro musical, desde melodías tipo aria hasta jazz de Broadway. […] El inteligente director Guillermo Amayas abre sensatamente el estado del matrimonio desde el principio con dos perspectivas de cámara a las melodías rítmicamente opuestas de Dinah y Sam. [...] Una hora de cautivador teatro musical ". (...)

DER OPERFREUND. JOCHEN RÜHT. 22.02.2021
TROUBLE IN TAHITI
(...) Guillermo Amaya weiß durchaus, in Szene zu setzen; zumindest tut er dies vorzüglich. […] Die eingängigen Melodien erweckt An-Hoon Song beschwingt und übersprudelnd zum Leben. […] Das Jazztrio […] ist trotz der räumlichen Trennung so perfekt aufeinander abgestimmt, dass man sie von den Brettern am Domhof in Osnabrück direkt auf eine Bühne in Las Vegas stellen könnte. Da macht das Zusehen und -hören viel Freude. (...)

(...) Guillermo Amaya ciertamente sabe escenificar; al menos lo hace de manera excelente. [...] Las melodías pegadizas dan vida a An-Hoon Song, animada y burbujeante. […] A pesar de la separación espacial, el trío de jazz […] está tan perfectamente coordinado que podrías sacarlos de los tableros en el Domhof de Osnabrück directamente a un escenario en Las Vegas. Verlo y escucharlo es muy divertido. (...)

AQUÍ MADRID. LUIS DE LUIS. 09.11.2020
EL HUECO
El escenario lo llena la pieza perdida de un puzle (creada con talento y sobriedad por Miguel Ángel Coso); es esa pieza que hace que todo lo debería encajar, encaje. O no.
Rodeadas de inquietud, acorraladas por amenazas, dos mujeres se esconden (o tal vez protegen) en su interior para no poder salir, o tal vez, para no querer salir al exterior.
Raquel Pardos y Raquel Salamanca se vuelcan y vacían, con naturalidad, cercanía y entereza, en dar vida a esas dos mujeres que quedan, por parafrasear a Juan Marsé, encerradas con un solo juguete, y ese juguete son, mal que les pese, ellas mismas.
Así, las dos actrices, cómplices y secuaces, inician un juego de espejos, un paso a dos, para –guiadas con sensibilidad e inteligencia por Guillermo Anaya que se encarga, también, de modelar su brillante texto- llevar a sus personajes a un cruce de caminos que se enclava entre la seducción y el desdén, entre la lenguas desatadas y las lenguas mordidas, entre Chanel y el Fairy plus, entre el cálculo y el atolondramiento, entre el deseo y el rechazo.
“El hueco” es un espléndido tira y afloja que narra un pulso de identidades convertido en un duelo de esgrima sin máscaras, resuelto en una danza de florituras, arabescos y estocadas de las que apuntan al corazón y la cabeza y, además, dan en el blanco.
Una auténtica delicia, así, sin más.

REVISTA CONTRAPUNTO.ES. JAVIER IGNACIO ALARCÓN 09.11.2020
EL HUECO
Espacio cerrado.
El encierro, como metáfora, resulta sugestivo. Puede referir el nivel específico de la subjetividad: el individuo atrapado en sus ideas y emociones, la mente aislada en el solipsismo. También, apunta a lo social: el encierro que se vive en cualquier forma de sistema político totalitario, la enajenación que experimentan los integrantes de una sociedad alienada. Por supuesto, no podemos perder de vista cómo esta metáfora habla del momento actual, en un 2020 marcado por distintas formas de confinamiento, más o menos extremas. El hueco, que se presenta en la Sala Nuevo Norte durante este noviembre, busca reflexionar sobre estas situaciones y lo hace al construir una historia alegórica que, sin anclarse en un contexto específico, es capaz de apelar a cualquier espectador.
Dos mujeres, Gema y Asun, están atrapadas en un espacio reducido, insonoro, aislado. Apenas caben las dos, con dificultad pueden moverse. No son capaces de saber lo que ocurre afuera, aunque una está segura de escuchar el mundo exterior. Escapan de algo, no sabemos de qué ni por qué están huyendo. Tampoco, si podrán salir. Así, la situación que plantea la obra resulta tan simple como compleja. En esta doble frontalidad se encuentra su riqueza simbólica. Es directa, no da rodeos ni explicaciones que, todo hay que decirlo, sobrarían. Al mismo tiempo, construye un entramado de emociones e ideas paradójicas que interpelan al espectador y lo obligan a cuestionar su lugar en el mundo. Para decirlo con una formulación un poco tópica, todos vivimos nuestro propio encierro y este encuentra un espejo en el escenario.
Siguiendo esta línea, sobre las tablas hay pocos elementos: las dos actrices y una especie de cubo, donde ellas se ubican, con un techo escalonado y un interruptor que permite iluminar el estrecho espacio. De esta manera, la claustrofobia adquiere una realidad concreta que solo es posible en el teatro: las mujeres se mueven entre las paredes de ese hueco, se chocan entre ellas, se golpean contra el bajo techo que las protege del peligro desconocido. Luego, el trabajo físico que las actrices realizan es una confrontación para los espectadores, que son testigos de sus esfuerzos por acomodarse en el encierro. Pero el trabajo de Raquel Pardos y Raquel Salamanca, que interpretan a Gema y Asun, respectivamente, va más lejos. No es poca la habilidad que se requiere para sostener una obra a dos voces, con un solo espacio y muy poco lugar para moverse. La interacción entre estas dos mujeres, una elegante y la otra casual, es el motor que mueve la historia. Es una confrontación entre dos formas de ver y entender el mundo, un diálogo entre dos universos que, por diferentes, no dejan de coincidir y reflejarse mutuamente. Esta dialéctica adquiere una forma dinámica, no solo por los diálogos, también por el cambio de registro: desde la tensión en sentido llano hasta la erótica, del miedo a la risa. La otra cara de esto se encuentra, por supuesto, en la dramaturgia, orquestada para hacer que la acción, aparentemente reducida, no se detenga.
El encierro es, sobre todo, una forma de truncar el deseo: la voluntad de cambiar, de conocer nuevos espacios, de encontrarnos con el “otro” (un “otro” que no deja de ser un espejo para nosotros mismos). El hueco formula este problema a través de una relación entre dos personajes cuya ubicación desconocida e identidad imprecisa sirve para construir una situación universal. El espectador se ve interpelado en tanto que la escena nos incomoda, nos obliga a confrontar los espacios reducidos que habitan dentro de nosotros y la forma en que dialogamos con ellos.

WESTFÄLISCHE NACHRICHTEN. HANNS BUTTERHOF. 4.12.2018
DER BETTELSTUDENT
(...) Regisseur Guillermo Amaya widmet sich weniger der politischen Dimension der Operette als erfreulich unverschwurbelt den Charakteren und dem turbulenten Ablauf der Handlung. (...) Die Operette mit ihren eingängigen Melodien ist voll komischer Figuren. (...) Die Inszenierung balanciert gekonnt zwischen Ernst und Klamauk. (...)

(...) El director Guillermo Amaya se dedica menos a la dimensión política de la opereta que a los agradablemente amenazados personajes y al curso turbulento de la acción. (...) La opereta con sus melodías pegadizas está llena de personajes divertidos. (...) La puesta en escena se equilibra hábilmente entre seriedad y la comedia. (...)

NEUE OSNABRÜCKER ZEITUNG. RALF DÖRING. 1.12.2018
DER BETTELSTUDENT

(...) Operette immer ein bisschen nach Tante Ernas Kleiderschrank: (...) Dann hat das Regietheater das Genre auf links gezogen und den bitteren Witz im Subtext herausgeschält. Dabei ist allerdings manchem Zuschauer das Lachen im Hals stecken geblieben. Regisseur Guillermo Amaya lässt der rauschenden Robe ihr Recht,..."
(...) ... Una opereta que huele un poco a naftalina del armario de la tía Erna. (...) El Regietheater ha dado de lado a este género e impregnado de chistes amargos en el subtexto. Pero es algo que a algunos espectadores hace que la risa se les quede atrapada en la garganta. Guillermo Amaya hace justicia y le da a esta deliciosa túnica su derecho.

(...) Fazit: So muss Operette sein.“

(...) Conclusión: Así es como se tiene que hacer la opereta.

OSNABRÜCKER NACHRICHTEN. THOMAS ACHENBACH. 5.12.2018
DER BETTELSTUDENT

(...) Regisseur Guillermo Amaya schert sich glücklicherweise wenig um historische Genauigkeit und lässt seine Inszenierung im Zeitlosen spielen, auch widersteht er jeder Versuchung mit erhobenem Regie-Theater-Zeitfinger aktuelle Zeitbezüge zu platzieren, bei sich bei diesem Sujet natürlich anböte (...). Nein, Amaya will unterhalten, nicht mehr und nicht weniger. Ein gute Ansatz. Meistens.
(...).

(...) El director Guillermo Amaya, afortunadamente, se preocupa poco por la precisión histórica y deja que su puesta en escena juegue en lo atemporal. También resiste estrictamente cualquier tentación del Regietheater de establecer referencias de tiempo actual, que el sujeto siempre ofrecería(...). No, Amaya quiere entretener, nada más y nada menos. Un buen enfoque. En su mayoría. (...)

(...) wenn sich die Handlung in diesen Palast verlagert (...) verlässt sich Regisseur Amaya vollends auf die Stärksten Zutaten, die er hat: Eine hervorragend geschriebene Operette (...)

(...) cuando la trama se muda a este palacio, (...) el director Amaya confía en los ingredientes más fuertes que tiene: una opereta excelentemente escrita (...)

HILDESHEIMER ALLGEMEINE ZEITUNG. ROLAND MÖRCHEN. 12.03.2018
ADELIA
(...) Amaya setzt darum eine starken Schlussakzent. Adelia, von der Umwelt erbarmungslos verurteilt, ist durch die seelische Hölle gegangen. Der Regisseur lässt Adelia folgerichtig im Wahnsinn enden, der kälter ist als der Tod. Sie haluziniert das Eheglück mit Oliviero nur wie in Donizettis berühmter „Lucia di Lammermoor (...)

(…) Amaya impone un fuerte acento final. Adelia, condenada sin piedad por todo el mundo, se va en alma al infierno. El director de escena deja a Adelia consecuentemente caer en la locura, algo que es más frío que la muerte. Ella se imagina en alucinaciones el encuentro feliz con Oliviero, como en la conocida ópera de Donizetti „Lucia Lammermoor“ (...)

DER OPERNFREUND. GERHARD ECKELS. JOCHEN RUETH. MARTIN FREITAG. 12.04.2018
ADELIA
Die TfN-Produktion „Adelia“ wurde vom Opernmagazin „Der Opernfreund“ mit dem „Opernfreundstern“ ausgezeichnet.

La producción Adelia del Teatro para Baja Sajonia ha sido galardonada por la revista de ópera “Der Opernfreund” con el premio “Opernfreundstern/estrella de Opernfreund”.

(…) Das ist mehr als lobenswert. Das ist vorbildliche Theaterarbeit. Auch deshalb, weil der Regisseur Guillermo Amaya durch eine leichte Veränderung die Unglaubwürdigkeit des Librettos abgemildert hat und ihm eine kluge, schlüssige Inszenierung gelungen ist.

(...) Es algo más que digno de elogio. Es un trabajo teatral ejemplar. También porque el director de escena Guillermo Amaya a través de un sencillo cambio, ha mejorado la parte sin credibilidad del libreto, consiguiendo una exitosa e inteligente puesta en escena.

DER OPERNFREUND. JOCHEN RÜTH. 12.4.2018
ADELIA
(…) Dass der Abend so wunderbar gelingt liegt gleichermaßen an der durchdachten und einfühlsamen Regie von Guillermo Amaya. Der gebürtige Spanier nähert sich dem Stoff behutsam und holt ihn gekonnt in eine Art zeitloses Jetzt.

(…)Que la noche triunfe tan maravillosamente se encuentra igualmente en la puesta en escena reflexiva y sensible de Guillermo Amaya. El español se acerca al tema con cuidado y hábilmente lo lleva a una especie de “atemporal ahora”.

(...) Überhaupt sind Symbole in Amayas Inszenierung klug gesetzt. Der Chor erscheint als Hüter von Zucht, Gesetz und Ordnung und auch Adelia trägt zu Anfang eine so kunstvoll wie streng wirkende Zopffrisur. Im Laufe des Abends, in dem die Figur zusehends die Fassung verliert, löst sich die Haarpracht aber immer mehr, zur Finalszene erscheint Adelia mit offenem Haar. Außerdem beweist die Regie Mut und folgt nicht dem von der Zensur verordneten Happyend, das das Libretto ohnehin in nur wenigen Sätzen recht unglaubwürdig und im Hau-Ruck-Verfahren vollzieht, sondern stellt die Hoffnung auf eine glückliche Zukunft als Adelias Wahnvorstellung dar. Überhaupt ist das schwache Skript die Achillesferse des Werkes, zu wenig Entwicklung lassen Romani und Marini die Figuren durchlaufen, zu scherenschnittartig bleibt die Zeichnung der Motive, so dass da nur der ewige Opern-Dreiklang aus Macht, Ehre und Liebe bleibt. Das aber tut der gelungenen szenischen Umsetzung und dem klanglichen Genuss keinen Abbruch.

(…)En general los símbolos están inteligentemente establecidos en la puesta en escena de Amaya. El coro aparece como guardián de la ley y el orden y también Adelia aparece con un estricto y severo peinado. A lo largo de la representación, en la que la figura de Adelia va perdiendo su fachada, veremos como su pelo se va soltando, hasta que en la escena final aparece con el pelo totalmente suelto. A parte de eso su dirección escénica demuestra mucho coraje y valentía porque no sigue el final del libreto impuesto por la censura, que son sólo unas cuantas frases al final que no tienen apenas credibilidad, sino que muestra la esperanza en un futuro feliz como una fantasía de la propia locura de Adelia. En general, el débil libreto es el talón de Aquiles de la obra, Romani y Marini permiten muy poco desarrollo a los personajes no más que una silueta o esbozo de motivos, de modo que sólo queda la eterna tríada operística de poder, honor y amor. Pero eso no resta valor en absoluto a la exitosa realización escénica y al disfrute sonoro de la obra.

DER OPERFREUND. GERHARD ECKELS. 12.4.2018
ADELIA
(…) Überhaupt zeichnen sich die Regiearbeiten von Guillermo Amaya dadurch aus, dass er ohne unnötige Aktualisierungen oder andere sonst übliche Regie-Mätzchen auskommt,(...).
Die schlüssige Inszenierung arbeitete die kontrastreichen Beziehungen der Hauptfiguren zueinander, die alle vom strengen Sittengesetz des Herzogs Carlo betroffen sind, und vor allem die spannungsgeladene Vater-Tochter-Beziehung sorgfältig heraus, (…)

(...) Si algo muestra los trabajos de dirección de escena de Guillermo Amaya es que él sin actualizaciones innecesarias u otras cosas por el estilo absurdo del regietheater sale exitoso de los retos que se les impone (…)
La exitosa puesta en escena trabaja el rico contraste de las diferentes relaciones de los protagonistas entre ellos, a los que les afecta las estrictas leyes impuestas por el Duque, y sobre todo la relación cargada de tensión entre el padre y la hija. (…)

DER OPERFREUND. MARTIN FREITAG. 12.3.2018
ADELIA
(…) Guillermo Amaya inszeniert die Erstaufführung ohne große Schnörkel gerade nach dem Libretto und es gelingt ihm ein echtes Psychodrama auf die Bühne zu stellen, die Personen- und Chorführung weist eine wirklich hohe Spannungsdichte auf, (...) ...es erfüllt jedoch gut seinen Zweck und läßt einen die unbekannte Oper bestens aufnehmen und beurteilen. (…)

(...) Guillermo Amaya dirige esta primera representación de la ópera en Alemania sin florituras, siguiendo el libreto, y tiene éxito creando un verdadero psicodrama sobre el escenario, tanto la dirección de los cantantes como la del coro que demuestran una gran tensión escénica. (…) …realiza muy bien su cometido y presenta de la mejor manera posible una ópera poco conocida para que se la pueda juzgar.

ONLINE MUSIK MAGAZINE. BERN STOPKA. 19.07.2016
DON GIOVANNI
Wenn Oper so richtig Spaß macht

Cuando la ópera verdaderamente es divertida

(...),diese Oper kombiniert in genialer Verbundenheit von Text und Musik romantische, erotische, tragische und komische Elemente. Es gelingt dem Regisseur meisterhaft, all dies herauszuarbeiten, zu verdeutlichen und mit der Würze zum Teil deftiger, aber nicht übertriebener Komik, mit quicklebendiger Personenregie und einem ausgesprochen spielfreudigen und schauspielerisch begabten Ensemble zu einem großen, ebenso unterhaltsamen, wie zur Nachdenklichkeit anregenden Opernabend zu vereinen. Dabei bleibt er nicht eindimensional, sondern zeigt auch verschiedene Charakteranteile der Figuren.

(...) Esta ópera combina de forma genial e indivisible entre el texto y la música elementos románticos, eróticos y cómicos. El director de escena consigue de forma magistral trabajar y mostrar todos esos elementos y aclararlos, poniendo el picante justo en los momentos adecuados y sin exagerar la comicidad. Con una dirección psicológica fresca y viva y un elenco dotado de buenas habilidades de actuación, nos llevan a una gran tarde de ópera, por supuesto que entretenida y con momentos de reflexión. No queda en ningún momento unidimensional sino que muestra también las diversas facetas que tienen los personajes… (…)

(...) dieses Hinführen der Gedanken sind eine Regiekunst, die dem Zuschauer die Freiheit lässt zu erkennen oder nicht zu erkennen, die mit Dezenz arbeitet und nicht mit dem Holzhammer und die so effektivere Wirkungen zeigt als jede offene Provokation - und, was oft vergessen wird, aber genauso wichtig ist: genuss- und niveauvolle Unterhaltung bietet, die auch noch viel Spaß macht. Spaß machen insbesondere viele weitere kleinere Aktionen und Andeutungen. Wenn Leporello und Giovanni sich über das spontane Fest mit der (...)

(...) indicar esos pensamientos es un arte de la dirección escénica, que le da libertad al espectador de reconocer o no reconocer, trabajado de una forma sutil y no golpeando con el martillo de madera buscando sólo el efecto rápido y fácil como la provocación –y además algo que a menudo se olvida pero que es también igualmente importante: placer- y que proporciona un entretenimiento de alta calidad que también es muy divertido. (...)

FAZIT
Mit diesem Don Giovanni wird die Saison des TfN in Hildesheim nicht nur würdig eröffnet, sondern es wird gleich zu Beginn szenisch und musikalisch ein Glanzpunkt gesetzt. Eine Aufführung, die unglaublich viel Vergnügen bereitet.

CONCLUSIÓN
Con este Don Giovanni no sólo se ha inaugurado la temporada en el Teatro de Baja Sajonia con honores, si no que comienza tanto escénica como musicalmente de forma brillante. Una producción que depara un increíble placer.

ONLINE MERKER. CHRISTIAN SCHÜTTE. 19.09.2016
DON GIOVANNI

(...)  Der spanische Regisseur Guillermo Amaya ist seit letzter Saison fest als Oberspielleiter am Hildesheimer Theater. Er sucht nicht nach dem größtmöglichen Potential, die Geschichte in unsere Zeit zu drängen, sondern vertraut ganz darauf, dass sie so funktioniert, wie sie sich im zeigt. (...) einen oder anderen Besucher die Aufführung zu „traditionell“ oder „konservativ“ erscheinen. Das ist sie sicher auch, aber im besten Sinne des Wortes.(...) Amaya und Miesch stellen einen historischen Rahmen auf, ohne zu historisieren, die Menschen auf der Bühne wirken nicht als Statuen vergangener Zeiten, sondern zeigen ganz heutige Emotionen. Handwerklich ist das alles sehr gut gemacht und es entsteht eine durchweg dichte Aufführung, die nur selten die Konzentration auf den Fortgang der Geschichte verliert. Die Geschichte zu erzählen gelingt Amaya dicht und schlüssig. (...)

(...) El director de escena español Guillermo Amaya es fijo como Oberspielleiter en el teatro desde la temporada pasada. Él no busca el gran posible potencial de contar la historia en nuestra época, sino que tiene confianza plena en que puede funcionar contándola tal y como fue concebida. (....) a algunos espectadores les podía resultar la puesta en escena tradicional o conservadora. Y seguramente así sea, pero en el mejor de los sentidos posibles. (...) Amaya y Miesch (escenógrafo y vestuarista) muestran un cuadro histórico, pero sin hacer arqueología, los personajes se desarrollan en el escenario no como estatuas de un tiempo pasado sino que muestran de forma brillante emociones de hoy. Artesanalmente está todo muy bien hecho y se establece un nivel durante toda la tarde en el que es difícil perder la concentración en lo que se está contando. Contar la historia lo consigue Amaya de forma clara y concluyente.

ONLINE MUSIK MAGAZINE. BERN STOPKA. 02.05.2016
DIE VERKAUFTE BRAUT
Faszinierender Detailreichtum

Fascinante riqueza de detalle

(...) Regisseur Guillermo Amaya nimmt nicht nur diesen Text, sondern das ganze Libretto ernst und stellt als Oberspielleiter des Theaters für Niedersachsen mit Smetanas tschechischer Nationaloper nach Boccaccio, Fidelio und Fra Diavolo  seine vierte (gefeierte) Inszenierung auf die Bühne des Stadttheaters Hildesheim. Ein wichtiger Aspekt seiner Handschrift ist dabei, dass er die im Libretto erzählte Geschichte ernst nimmt, sie mit geradezu natürlich wirkender, bis ins feinste Detail und die persönlichste Charakteristik ausgestatteter Personenregie lebendig werden und das Ganze in einem klassisch wirkenden Bühnenbild spielen lässt. Aber er bringt auch immer einen nachdenklichen, tiefergehenden und in Frage stellenden Moment ein, aber nicht mit dem Holzhammer, sondern in einem oft nur kurzen Augenblick, der dem Publikum etwas zu denken gibt, es aber keine gedanklichen Nüsse knacken lässt.(...)

(…) El director de escena Guillermo Amaya no toma solamente este texto en serio sino que toma el libreto al completo y consigue como Oberspielleiter del Teatro de Niedersachsen con la ópera Nacional del compositor checo después de Boccaccio, Fidelio y Fra Diavolo su cuarta celebrada puesta en escena en el teatro de Hildesheim. Un aspecto de su trabajo es contar lo que dice el libreto de forma seria y dejar que se desarrolle de forma natural hasta los detalles más finos y con una psicología de personajes bien caracterizados y vivos y mostrarlo todo en un escenario clásico. Pero siempre además ofrece un momento reflexivo, profundo y cuestionable, pero no a martillo sino a menudo con pequeños instantes, dándole al público algo que pensar, pero sin intelectualizar de forma absurda.

(...) Eigentlich müssen man die Produktion so oft sehen, wie es handelnde Personen auf der Bühne gibt, denn jeder ist in jedem Augenblick seines Auftritts präsent (...)

(…) En verdad, hay que ver la producción tan a menudo como personas hay en el escenario, ya que cada una y en cada instante de su entrada en escena, tienen presencia escénica.(…)

(...) Dabei bedient sich die Regie der ganzen breiten Palette der schauspielerischen Darstellungskraft, die das Hildesheimer Ensemble auszeichnet. (...)

(…) Para ello se sirve el director de escena de la amplia paleta de interpretación actoral escénica que al elenco
de Hildesheim distingue… (…)

FAZIT
Eine nicht einfach nur schöne, sondern auch bewegende Inszenierung, die mit ungeheurem Detailreichtum in der Personenregie begeistert und beweist, dass es keiner optischen Aktualisierungen bedarf, um Gefühle sichtbar und erfahrbar werden zu lassen.

CONCLUSIÓN
Una puesta en escena no solo hermosa, sino también conmovedora, que emociona con tremendo detalle en la dirección de actores y demuestra que no requiere actualizaciones visuales para hacer que los sentimientos sean visibles y tangibles.


DER OPERFREUND.DE GERHARD ECKELS. 10.12.2014
FIDELIO
(...) In der besuchten Vorstellung beeindruckte die durchweg gut gelungene, stimmige Personenregie...

(…) En la función impresionó la dirección de actores, consistentemente buena y coherente… (….)


HILDESHEIMER ALLGEMEINE ZEITUNG. ANDREAS BODE. 19.05.2014
FIDELIO
O namenlose Freude

Oh, alegría indecible

Beethovens „Fidelio“ erfährt in der Deutung durch Werner Seitzer und Guillermo Amaya triumphalen Erfolg.

El Fidelio de Beethoven obtiene en la visión de Werner Seitzer y Guillermo Amaya un éxito triunfal.

(...) Die spannende Frage vor der Premiere war ja: Kann das Konzept des Regisseurs Guillermo Amaya aufgehen, Ludwig van Beethovens Oper „Fidelio“ ungefähr zur Zeit der Uraufführung anzusiedeln, im Spanien der 1820er Jahre? Opern gewissermaßen als Musikmuseum zu spielen, das wird von eher konservativ eingestellten Musik- freunden sehr geschätzt. Andererseits: Was hat ein solches Museum mit uns heute Lebenden zu tun? Was geht jeden Einzelnen das an, was auf der Opernbühne verhandelt wird? Zwei Positionen – sogenannte Werktreue gegen Aktualisierung – spalten das Opernpublikum in zwei nahezu unversöhnliche Lager.
Hier soll nun nicht der Streit um das Regietheater aufgewärmt werden. Und um die Frage zu beantworten, ob Amayas Konzept gelungen ist: Ja. Und zwar außerordentlich.

(...) La pregunta interesante antes del estreno fue si: ¿puede el concepto del director de escena Guillermo Amaya funcionar para la puesta en escena de la ópera "Fidelio" de Ludwig van Beethoven situándola aproximadamente en el momento del estreno mundial, en la España de la década de 1820? Montar óperas en cierto sentido como un museo de música suele ser muy apreciado por los amantes de la música conservadores. Por otro lado, ¿qué tiene que ver ese museo con los que viven hoy? ¿Qué hace cada individuo con lo que se está interpretando en el escenario? Dos posiciones, -fidelidad contra actualización-, dividen a la audiencia de la ópera en dos campos casi irreconciliables.
Aquí no debería calentarse la disputa sobre el Regietheater. Y para responder a la pregunta de si el concepto de Amaya ha tenido éxito: sí. Y de una forma extraordinaria. (…)

(...) Amaya hat ausgesprochen genau, an der Musik orientiert, inszeniert. Es gelingt ihm, nicht allein Charaktere, sondern Menschen auf die Bühne zu bringen, die für sich einzunehmen oder zu interessieren vermögen.

(...) Amaya ha escenificado con mucha precisión, orientándose en la música. Consigue no sólo traer personajes, sino personas al escenario, con las que se puede uno identificar o con las que provocar el interés.

(...) Beim Publikum im Stadttheater herrschte – um den Text des Duetts Leonore/Florestan zu zitieren– am Schluss namenlose Freude: Ovationen im Stehen, Bravorufe.

(...) En el público del Stadttheater dominaba al final -citando el texto del dúo de Leonore/Florestan– una alegría indecible: Ovaciones y bravos en pie.


ONLINE MUSIK MAGAZINE. URSULA DECKER-BÖNNIGER. 25.01.2013
DER LIEBESTRANK (L’elisir d’amore)
Ein Liebestrank aus Milch und Schnaps

Un elixir de amor de leche y aguardiente

Wie man das musiktheaterbegeisterte Publikum bei diesen frostigen Temperaturen mit einer herzigen, italienschen Liebesgeschichte aufwärmen kann, zeigt das Theater Osnabrück mit seiner neuen, beeindruckend stimmigen Produktion: einer unterhaltsamen, humorvoll untermalten Inszenierung von Donizettis L’Elisir d’amore.

Cómo se puede calentar a los amantes del teatro musical con una historia de amor italiana bajo estas temperaturas heladas lo muestra el Teatro de Osnabrück con su nueva, impresionante y armoniosa producción: una divertida y entretenida puesta en escena de L`Elisir d´amore de Donizetti.

(...) Amaya würzt die Geschichte mit kleinen witzigen Einlagen, ohne den romantischen Charakter zu schmälern. So wird man gleich zu Beginn in das Gesellschaftsleben vor Ort eingeführt: Parallel zur den marschigen Klängen der Introduktion sieht man einheitlich gewandete Arbeiterinnen munter und gutgelaunt Milchflaschen verpacken und stapeln. Bei der Qualitätskontrolle scheint die Milch - zum Erschrecken Aller - nicht in Ordnung zu sein. Die probierende Gianetta hält sich – passend zu den Fortissimo-Akkordschlägen – den Mund zu, um Schlimmeres zu verhindern und eilt von dannen. Dottore Ducamara betritt mit einem klapprigen Piaggio-Kleinlastwagen die Bühne. Regisseur Amaya hat ihm einen Gehilfen an die Seite gestellt, eine Art Arlechino, der die langweiligen Ausführungen des Dottore witzig und schlagfertig kommentiert und das Publikum pantomimisch unterhält. Er ist es auch, der als Adina verkleidet das Publikum im zweiten Akt in einer improvisierten Szene belustigt.

(...) Amaya sazona la historia con pequeñas inserciones divertidas, sin menospreciar el carácter romántico. De este modo, uno se introduce en la vida social desde principio: paralelamente a los suaves sonidos de la introducción, se ven trabajadores vestidos de uniforme, alegres y felices empacando y apilando botellas de leche. En el control de calidad, la leche, para horror de todos, parece estar mala. La probadora Gianetta –coincidiendo con el acorde fortísimo- se tapa la boca para evitar males peores y se aleja apresuradamente. Dottore Dulcamara entra al escenario con una desvencijada camioneta Piaggio. El director Amaya le ha puesto como asistente, a una especie de Arlechino, que comenta las aburridas observaciones del Dottore, ingenioso y avispado, que entretiene al público con la pantomima. También es él quien, disfrazado de Adina, divierte a la audiencia en el segundo acto en una escena improvisada.

FAZIT
Eine unterhaltsame, humorvoll gewürzte Inszenierung und musikalisch ansprechende Darbietun.

CONCLUSIÓN
Una puesta en escena entretenida, graciosamente condimentada y una actuación musicalmente atractiva.


DER OPERFREUND. MANFRED LANGER. 28.01.2013 .
DER LIEBESTRANK (L’elisir d’amore)

(...) Den vielen schönen Inszenierungen hat nun das Theater Osnabrück mit der Regiearbeit von Guillermo Amaya eine weitere hinzugefügt.

(...) De entre las bellas puestas en escenas (del Elisir d`Amore) el Teatro de Osnabrück, con el trabajo del director Guillermo Amaya, ha añadido una más (…)

(...) Gekonnte Personenführung und viele gelungene Regieeinfälle lassen in dieser gelungenen Regiearbeit keine Sekunde der Langeweile aufkommen. (...)

(…) Una gran dirección de actores y muchas exitosas ideas de puesta en escena hacen que en este conseguido trabajo de dirección no acontezca ni un segundo de aburrimiento.(…)

(…) Wie bei allen Belcanto-Buffen erkennt man auch im Liebestrank Charaktere der commedia dell‘arte wieder: Nadina als Colombine, Dulcamara als Doktor. Weil der Arlecchino fehlt, hat die Regie ihn einfach als stumme Rolle dazu gesetzt: als Giacomo, den Assistenten Dulcamaras. Der Schauspieler Jacques Freyber füllte diese Rolle zur Begeisterung des Publikums aus: er kroch mit einer Milcharbeiterin in die Ape, entwand aus der Gesäßtasche eines Mitbürgers das Portemonnaie und spielte zusammen mit seinem Chef vor dem Vorhang der commedia einen Sketch zur (geplanten) Hochzeit von Belcore und Adina: ein genialer und spontan beklatschter szenischer Höhepunkt dieser kreativen quirligen Inszenierung. (...)

(…) Como en todas las óperas bufas belcantistas, se puede reconocer también en el elisir d`amore personajes de la comedia del arte: Adina como Colombina, Dulcamara como el doctor. Como Arlequino falta, el director de escena lo ha añadido como un personaje mudo: Giacomo el asistente de Dulcamara. El actor Jacques Freyber hace ese rol para entusiasmo del público: se magrea con una trabajadora en la Piaggo, le roba la cartera a un invitado y actúa junto a su jefe en la boda de Belcore y Adina. Un genial y culminante momento escénico muy aplaudido espontáneamente de esta producción creativa y viva. (…)

NEUE OSNABRÜCKER ZEITUNG. UTA BIESTMANN-KOTTE 12.10.2017
BREMER STADTMUSIKANTEN

Regisseur Guillermo Amaya („Momo“) inszenierte das bekannte Grimm´sche Märchen in der Textfassung von Annalena Küspert mit viel Sinn für Situationskomik, Slapstick und Action (...)

El director de escena Guillermo Amaya dirige el conocido cuento de los hermanos Grimm
en una versión de Annalena Küspert con mucho sentido de la comicidad, el clown y la acción.


DER OPERFREUND. GERHARD ECKELS. 15.09.2015
BOCCACCIO

(…) Mit der Neuinszenierung von „Boccaccio“ ist dem Oberspielleiter des TfN Guillermo Amaya trotzt der Beibehaltung manch etwas altbackener Texte ein kurzweiliges Stück Musiktheater gelungen, an dem man einfach seinen Spaß hatte. (…)

(…) Con la nueva puesta en escena de “Boccaccio” el Oberspielleiter del Teatro de la Baja Sajonia Guillermo Amaya ha conseguido, a pesar de haber tenido que mantener algunos diálogos pasados de moda, una pieza divertida de Teatro musical en la que sencillamente uno se lo pasa muy bien.


ONLINE MUSIK MAGAZINE. BERN STOPKA. 15.02.2016
FRA DIAVOLO
Dialoge von Guillermo Amaya. Musik von Daniel François Esprit Auber

Grotesk - aber faszinierend

Grotesco – pero fascinante

(...) Amaya, Oberspielleiter des Hauses, hat die Geschichte nicht nur humorvoll in Szene gesetzt, sondern auch hinterfragt. (...)

(...) Amaya, Oberspielleiter de la casa, nos sólo ha hecho una puesta en escena llena de humor, sino que además, ha dejado momentos para la reflexión. (...)

(...) In lebendiger Personenregie erscheinen die grandiosen Ensembles, das herrliche „It's not correct“-Duett und die große Selbstdarstellungsszene des Fra Diavolo im dritten Akt. (...)

(...) En una dirección de actores muy viva aparece el grandioso elenco, el magnífico dueto „ist not correct“ y la gran autopuesta en escena de Fra Diavolo en el tercer acto. (...)

FAZIT
Humor und ein Schuss Nachdenklichkeit. Szenisch bewusst überzeichnet, musikalisch und sängerisch einfach brillant. „Da erschreckte uns die Groteske des Fra Diavolo“ schrieb Richard Wagner seinerzeit und würde es nach diesem Abend wohl wiederholen. Trotzdem: Eine begeisternde Produktion einer faszinierenden, viel zu selten gespielten Oper, die für viele eine gute Laune machende Entdeckung sein dürfte.

CONCLUSIÓN
Humor y un final para la reflexión. Escénicamente a conciencia exagerado, música y cantantes sencillamente brillantes. „El terror y lo grotesco de Frau Diavolo“ escribió Richard Wagner en su tiempo y aquí será en esta puesta en escena reproducido. A pesar de todo: una entusiasta producción de una fascinante y muy poco representada ópera, y a muchos pondrá de muy buen humor realizar este descubrimiento.

Osnabrücke Zeitung. Anne Reinert. 25.02.2017.
MOMO

„MOMO“ Neues Oskar-Stück in Osnabrück verzaubert

Momo, la nueva producción de Oskar, maravilla en Osnabrück

„Momo“ hat am Samstag im Emma-Theater Osnabrück Premiere gefeiert. Die Bühnenversion, die mit einfach Mitteln überzeugen kann, kam beim Publikum gut. (...)

„Momo“ tuvo el estreno el sábado. La producción que con pocos medios fue muy convincente, llegó muy bien al público. (...)

(...) Das bedeutet aber nicht, dass Schneider und Amaya das Stück künstlich aktualisiert hätten. Gut, es tauchen ganz nebenbei mal Smartphones auf. Doch „Momo“ ist eine zeitlose Geschichte. Und so wird sie hier auch erzählt, in Form einer modernen Theaterinszenierung.

(...) Eso no significa que Schneider y Amaya hayan actualizado la obra de manera vulgar. Aunque es cierto que a veces aparecen móviles, pero Momo es una historia atemporal. Y así se cuenta aquí en la manera de una moderna puesta en escena. (...)

(...) Guillermo Amaya ist eine Inszenierung gelungen, die einen nach etwas mehr als einer Stunde verzaubert in den grauen Alltag zurückschickt. Das Premierenpublikum war begeistert und bedankte sich mit einem langen Applaus.

(…) Guillermo Amaya ha conseguido hacer una puesta en escena que maravilla y en la que en algo más de una hora, te devuelve al gris de la vida cotidiana. El publico del estreno estaba entusiasmado y lo agradeció con largos aplausos. (…)


KULTURA-EXTRA.DE . SINA-CHRISTIN WILK. 27.02.2017
MOMO

Auf der Suche nach der verlorenen Zeit

(...) Grandios ist der Bezug der Buchvorlage zur Gegenwart: Smartphones ersetzen als Zeitkiller die Zigaretten der Grauen Herren, das Restaurant des Wirts Nino wird zum Lieferservice, der aus Gründen der Zeitoptimierung im Sekundentakt eine Bestellung nach der nächsten bearbeitet. Der moralische Zeigefinger brennt förmlich in der Wunde, in die er gelegt wurde.

(...) Grandiosa es la referencia del libro en el presente: los teléfonos inteligentes reemplazan como Zeitkiller-asesinos del tiempo a los cigarrillos de los hombres Grises, el restaurante de Nino es un servicio de comida rápida a domicilio, que procesa un pedido después del siguiente por razones de optimización de tiempo segundo a segundo. El dedo índice moral literalmente arde en la herida en la que fue colocado.

(...) Die Bearbeitung der Textvorlage durch die Dramaturgin Maria Schneider und dem für die Inszenierung verantwortlichen Guillermo Amaya konzentriert sich auf das Wesentliche und zeigt klar, dass weniger gerade für die Zielgruppe Kinder umso mehr sein kann: Der überaus langanhaltende Applaus und Jubel am Ende der Premiere bestätigt dies und lässt hoffen, dass sich noch viele weitere Zuschauer, egal ob groß oder klein, dieses Stück zu Gemüte führen.

(...) El trabajo sobre el texto por parte de la dramaturgista Maria Schneider y Guillermo Amaya, responsable de la dirección de escena, se centra en lo esencial y muestra claramente que no es solamente una función para niños: El júbilo y los aplausos muy duraderos al final del estreno confirman esto. Y esperemos que muchos más espectadores, sin importar si son grandes o pequeños, tomen esta obra de teatro muy en serio.

HAZ-REDAKTION. HILDESHEIMER ALLGEMEINE ZEITUNG 17.10.2016
PETER PAN
Abenteuerreise mit „Peter Pan“ im Stadttheater
Veröffentlicht von HAZ-Redaktion am 17. Oktober 2016.

(...) All diese Akteure der fantastischen Geschichte musste Regisseur Guillermo Amaya unter einen Hut bringen. Und da ist ihm einiges eingefallen, was zum Vergnügen beiträgt. (...)

(…) Todos esos elementos tuvo que reconciliar Guillermo Amaya. Y además tuvo más ocurrencias que aumentaron el placer.


AUGSBURGER ALLGEMEINE. STEFAN DOSCH. 8.03.2012
THE OLD MAID AND THE THIEF
Menottis „Alte Jungfer und der Dieb“ herzerfrischend im Hoffmannkeller

La ópera de Menotti „La solterona y el ladrón“ refrescante en el Hoffmannkeller.

(...) Im Hoffmannkeller hat Guillermo Amaya, drei Jahre Regieassistent am Theater Augsburg und nun vor dem Absprung in eine Karriere als freier Regisseur, die Handlung auf einem Campingplatz angesiedelt. Und so wird aus der Konserve nicht nur Regenprasseln und Donnergrollen zugespielt, sondern auch das Gebrutzel in einer Pfanne überm Gaskocher sowie – akustischer Glanzpunkt – das Rrratsch, das ertönt, wenn eine schönheitsbewusste junge Dame sich das Epilierwachs von den Beinen reißt.

(…) En el Hoffmannkeller Guillermo Amaya, que durante tres años fue ayudante de dirección en el teatro de Augsburg y ahora se presenta al comienzo de su carrera como director de escena, ha presentado el argumento de la ópera de Menotti en un Camping. Y allí no solamente se escucharán los ruidos de la lluvia y de los truenos, sino también el ruido de una sartén sobre un camping gas, o el propio que hace las tiras de depilación cuando una dama que se sabe bonita se las arranca de las piernas…(…)

(...) bedeutsame Mimik, kleine Gesten, vielsagende Blicke zwischen den Akteuren. Davon wie überhaupt von der Spielfreude des Ensembles lebt diese Aufführung ganz wesentlich, und Guillermo Amaya hat gut daran getan, dem unbeschwerten Geschehen keinen krampfigen Bedeutungs-Überbau... (...)

(…) Mímica con significados, gestos pequeños, miradas entre los cantantes… De esto, y de la propia gracia de los cantantes vive esta producción sabiamente, y en ello ha tenido Guillermo Amaya mucho que ver, que no ha dejado ni un gesto sin significado y tampoco ha montado ninguna cosa de más…(…)

(...) Entzückend auch die szenische Realisation der beiden musikalischen Höhepunkte der Oper. Während Laetitia in ihrer Arie „Raub mich, Dieb“ ihr Liebeswunschobjekt, den somnambul versunkenen Bob, wie ein Stofftier herumschiebt und herzt, so stimmt wenig später eben dieser Bob einen großen Gesang auf männliche Freiheit an („Wenn die Luft riecht nach Sommer“) – und stopft dazu, wohl eher großer Bub als Mann, zum Zeichen des Aufbruchs seinen Teddy in den Seesack.

(…) Magníficos también la puesta en escena de los dos momentos más importantes de la ópera. Mientras que Laetitia en su aria, “Raub mich, Dieb”, maneja su objeto de deseo, el sonámbulo Bob, como una especie de peluche gigante de un lado para otro, Bob hará algo parecido después en una aria muy masculina sobre la libertad („Wenn die Luft riecht nach Sommer“), en la que como muestra de que se ha convertido ya en un hombre, guardará a su Teddie Bear en la mochila…(…)

AUGSBURGER ALLGEMEINE. KATHARINA MAIER. 8.10.2012
PACK EIN! PACK AUS!

Mit „Pack ein! Pack aus!“ feierte das jtt-Musiktheater am Donnerstag im Hoffmann-Keller zum ersten Mal in seiner Geschichte Premiere. Sieben junge Theaterbegeisterte hatten unter der Regie von Guillermo Amaya eine beachtenswerte Produktion entwickelt. Über eine Mischung von Schauspiel und Gesang, Gedicht und Lied, Neu und Alt wurde eine facettenreiche Geschichte um Selbstfindung und Selbstverlust erzählt. (...) Mit demjtt-Musiktheater und„Pack ein! Pack aus!“ ist es dem Team um Regisseur Amaya, eine Plattform für theater- und musikbegeisterte Jugendliche zu schaffen. (...)

(…) Con Pack ein pack aus celebró JTT Musiktheater el jueves su primer estreno. Siete jóvenes bajo la dirección de Guillermo Amaya han desarrollado una producción digna de ser tenida en cuenta. Sobre una mezcla de actuación y canto con poesías y canciones, lo nuevo y lo viejo tienen lugar en una historia de múltiples facetas sobre encontrarse y perderse a uno mismo(…) Con JTT Musik theater y “Pack ein pack aus” el equipo en torno a Guillermo Amaya, ha conseguido con éxito una plataforma para los jóvenes entusiastas del teatro y de la música (…)

EL ADELANTADO DE SEGOVIA. ANA SAN ROMUALDO. 1.08.2007
L´ORFEO

El proyecto Bandart, ligado este año al Festival Internacional de Segovia a través de distintos montajes, abordaba el lunes en la iglesia de San Juan de los Caballeros el que sin duda es su trabajo más ambicioso en este FIS 2007, un "Orfeo" de Monteverdi con más de medio centenar de cantantes y otros tantos músicos en escena; un estreno absoluto que se solventó con muy buena nota, de manera brillante, y que contó además con un reconocimiento mayoritario del público que abarrotó el templo. "Orfeo", considerada la primera ópera de la historia y estrenada en 1607, está basada en el conocido mito de Orfeo, que baja al Infierno en busca de su esposa Eurídice, tras morir ésta víctima del mordisco de una serpiente. Tras convencer a Caronte de que le franquee el paso al mundo de las sombras y después de recuperar a su amada gracias a la capacidad de Proserpina para conmover a Plutón, Orfeo vuelve a perderla por no ser capaz de cumplir la única condición que le había sido impuesta, no mirarla hasta volver al mundo de los vivos.

Sobre esta pieza mitológica, Monteverdi construye, sobre libreto de Alessandro Striggio 'El joven', una espléndida pieza operística, con una música vibrante que llenó la iglesia de San Juan de los Caballeros y los espíritus de todos los asistentes, hasta el esperado final en el que, perdida Eurídice, Orfeo se entrega a la vida celestial de la mano de su padre, el Dios Apolo.

Quizá lo más reseñable del montaje presentado el lunes en San Juan de los Caballeros sea la perfecta integración de todos los elementos de la ópera, músicos, cantantes, escenografía, vestuario… en una pieza casi redonda, en la que nada desentona. Pero, como base de todo, una excelente puesta en escena, firmada por Guillermo Amaya, a la que solo le faltó, para lucir aún más, unos cuantos metros cuadrados más de escenario.

La orquesta estuvo a gran altura a lo largo de las dos horas y media y lo mismo puede decirse del coro, algunos de cuyos miembros demostraron categoría de solistas. Entre los solistas, más allá de los roles principales, reseñar a Sabine Garrone, especialmente en el pasaje en que transmite a Orfeo la noticia de la muerte de su amada, y a Iván García, breve pero muy intenso como Caronte.

El vestuario de Lorenzo Caprile, demasiado plano en la primera parte de la ópera, poco más que sencillas togas griegas, ganó mucho al llegar al infierno, tanto en Caronte y Plutón y Proserpina como en el coro infernal, pasajes en los que también se lució la escenografía y la iluminación.

En resumen, Bandart aprobó casi con sobresaliente en este segundo reto segoviano, un excelente trabajo que hace pensar que una posible relación estable entre la Academia y Orquesta BandArt y Segovia, a través de la Fundación don Juan de Borbón o de otras instituciones, que ya se ha planteado y está en estudio, podría ser muy fructífera para el futuro cultural de la ciudad.

EL NORTE DE CASTILLA. LUIS HIDALGO MARTÍN . 01.08.2007
L´ORFEO
EL TRIUNFO DE ORFEO.
Sin temor a la equivocación puede decirse que producciones como L'Orfeo de Claudio Montervedi llevadas a cabo por el proyecto Band Art y el Festival Internacional de Segovia son de las que aportan calidad y prestigio a sus protagonistas. Lo acontecido el lunes en San Juan de los Caballeros marca, hasta ahora, el momento culminante del FIS O7.

Por una parte porque se consigue así lo que debería ser una premisa de cualquier Festival, que éste sea capaz de generar espectáculos que creen un punto de singularidad que sirva de referencia al exterior y le conviertan además en marco de creación; y por otra porque la calidad conseguida ha sido realmente de gran altura.

Primer acierto
El primer acierto de esta producción es la obra elegida. La ópera L'Orfeo de Monteverdi es el punto de partida de un género que marcará de manera indeleble el devenir de la historia musical y es además una de las más grandes obras maestras escritas jamás.
Muchas han sido las secuelas de esta ópera, especialmente a lo largo de los siglos barrocos donde podemos encontrar composiciones interesantísimas y plenamente recomendables como, por ejemplo, las debidas a Rossi, Telemann o Glück, pero ninguna con tal belleza, adecuación a la prosodia y capacidad de exploración, evocación y emoción.

En definitiva, Monteverdi crea una revolución que se regenera en cada nuevo acercamiento.El resto de aciertos están relacionados con el montaje escénico y la propia interpretación musical, especialmente en esta última puesto que, no lo olvidemos, es la que soporta el peso principal de cualquier representación.

Ejercicio colorista.
La orquesta Ars Combinatoria realizó un ejemplar ejercicio de interpretación colorista y descriptiva, maravillosa en la dinámica y en la rítmica y con una sección de continuo de verdadero lujo. El coro fue una indiscutible fuente de emociones, con un empaste prodigioso, magnífica dicción y exactitud en el fraseo.

Los solistas destacaron por su buen nivel, aunque siendo rigurosos pudiera achacárseles cierta libertad en el intrincado aspecto ornamental que plantea la partitura. El papel de Orfeo, protagonista en todos los sentidos, fue abordado con grandes dosis de musicalidad por Holger Falk, dueño de una voz dulcísima y expresiva que marcó los puntos sobresalientes de los solistas junto con la escalofriante intervención de Sabine Garrone en el papel de mensajera.
El bello vestuario de Lorenzo Caprile, la efectiva dirección escénica de Guillermo Amaya y la coreografía de Juan Moredo sirvieron para aportar credibilidad a los personajes y crear impresionantes situaciones, como la aparición de Caronte, soberbiamente interpretado por Iván García, rodeado por Disque Danza creando la ilusión de una fantasmal barca.
El público que llenó San Juan de los Caballeros y que tuvo que padecer las dolientes sillas y un calor infernal, muy acorde a las situaciones del argumento, premió con larga y clamorosa ovación esta gran producción realmente exitosa.

l´Orfeo de Claudio Monteverdi
Orfeo: Holger Falk. Euridice: Elena Sancho. Messagiera: Sabine Garrole. Caronte: Iván García. Departamento vocal: Academia BandArt. Orquesta y Coro Ars Combinatoria. Disque Danza. Director musical: Canco López. Dirección de escena y escenografía: Guillermo Amaya. Localización: San Juan de los Caballeros


REVISTA RITMO. CRISTINA PRESMANES. 10.04.2007
EL EMPRESARIO
TEATRO INFANTA ISABEL
El teatro Infanta Isabel de Madrid presenta a lo largo de todo el mes el singspiel Der Schauspieldirektor (K.486) (El Empresario) con una propuesta de la compañía “La Troupe de Teatro y Opera” integrada por jóvenes, licenciados en su mayoría por la mejores Escuelas de Teatro y Canto de España. Con un sencillo decorado, emulando el oscuro sótano de un castillo, decorado al estilo Luis XV predominando el terciopelo rojo y un piano, el joven director de escena Guillermo Amaya recrea el divertido sainete de una manera fresca, original y divertida. Las carcajadas y los aplausos fueron la tónica dominante del espectáculo, perfectamente dirigido y con divertidos juegos coreográficos de Maite Martín. La parte vocal, y esto es de agradecer en este tipo de espectáculos, ha sido especialmente cuidada. Bajo la dirección musical del también pianista Borja Rubiños (perfecto en su labor de acompañante) destacar; el joven barítono Carlos García en el rol Buff de bellísima voz y fraseo, la soprano Arantza Ezenarro como Señorita Silberklang elegante en lo vocal y escénico y la también soprano Graciela Armendáriz como Señorita Herz de técnica cuidada y muy divertida en lo actoral. Renglón a parte merece el tenor Gaizka Gurruchaga como Vogelsang perfecto y seguro tanto vocal como actoralmente. El elenco se completa con la magnífica interpretación de los actores Guillermo Amaya como Fran, Felipe Santiago como Eiler, Maite Marín como Cecilia y Leopoldo Mateos como Algernon emulando fielmente la servidumbre al uso de la época. El resultado es un divertidísimo, y cuidado espectáculo y lo más importante, de una alta calidad.

ABC DE VALENCIA. VÍCTOR CHARNECO. 03.05.2007
EL EMPRESARIO
Risas en la Ópera
Por la complejidad de su estructura escénica, la Ópera no es uno de los géneros más populares entre el público, que en muchas ocasiones renuncia al esfuerzo de enfrentarse a una escalada tan exigente. Su apariencia grave, además, le aleja en la concepción general de lo divertido; uno tiende a pensar que en la ópera se cosechan más bostezos que sonrisas, y no es así. Un buen ejemplo de que la carcajada es posible es la ópera cómica El Empresario, de W.A. Mozart, que representa en el Teatro Infanta Isabel La Troupe de
Teatro y Ópera, con dirección musical de Borja Rubiños y escénica de Guillermo Amaya y en sesiones de viernes, sábado y domingo (la pelea con una taquilla reticente le aparta del prime time del teatro). El planteamiento de la obra es simple: un adinerado empresario, Eiler, convoca una cena en su mansión para celebrar la puesta en marcha de los ensayos de una ópera que va a producir. Al evento acuden el director y su ayudante, algunos empleados del propietario y dos aspirantes a prima donna que compiten por el papel protagonista. A partir de ahí, y ayudándose de un pianista que espera y atiende las peticiones musicales de los diferentes personajes en el sótano de la casa, se desarrolla una trama de intrigas, amoríos e intereses en la que ninguno de los implicados (tal vez sí el empleado Vogelsang) actúa por motivos de generosidad o bonhomía.
Una función que alterna números operísticos con escenas teatrales bastante divertidas y que termina por componer una entretenida opción para el ocio del fin de semana.

ÓPERA ACTUAL. FEDERICO FIGUEROA. 12.05.2007
EL EMPRESARIO
Madrid
TEATRO INFANTA ISABEL.
Un equipo de inquietos jóvenes subió a escena éste singspiel del salzburgués con mucho entusiasmo y evidente escasez de medios económicos. Un piano, cuatro cantantes y otro número igual de actores dieron buena cuenta del texto y la música. Si la obra original se limita a la overtura y otros cuatro números musicales cantados, aquí el director de escena – Guillermo Amaya –, se permitió retocar los textos hablados (en castellano) e incluir arias y dúos de otras obras Mozart ( Così fan tutte, Die Zauberflöte, Don Giovanni). El resultado más que loable, pues es una forma de escuchar voces nuevas en el lugar idóneo: el escenario. Arantza Ezenarro y Elena Sancho llevaron, con ventaja, el estandarte del elenco. Ambas sopranos de timbre agradable y buenos medios canoros. La primera fue una Señorita Silberklang un tanto remilgada mientras que la Señorita Herz de la segunda tuvo visos a lo femme fatale. Alain Damas derrochó simpatía como Vogelsang a la vez que dejó buenas muestras de sus facultades vocales, mientras que Carlos García cumplió en el papel de Buff. Los actores Felipe Santiago, Maite Marín, Leopoldo Mateos y el propio director de escena, éste en el papel Fran, dieron la réplica a los solistas. Al piano, Cristina Alonso acompañó con precisión y soltura. *Federico FIGUEROA.


DIARIO EL MUNDO. TOMÁS MARCO. 01.12.2010
LA DOLORES
Acertada pervivencia. Tomás Marco. Madrid.
(…) Y no con menos inteligencia dirigió la puesta en escena Guillermo Amaya. El Auditorio Nacional no es en modo alguno un teatro y sin embargo supo, con adecuado posicionamiento de orquesta, coro y solistas, ofrecer un montaje teatral esencializado, más que minimalista, que explicaba bien la acción y tenía interés escénico y visual… (…)